山有小口，仿佛若有光。便舍船，从口入。初极狭，才通人。复行数十步，豁然开朗……《桃花源记》中，陶渊明写过一个偶然进入桃花源的武陵人。
7月，宁波象山，我也经历了一次类似的穿越。那条入口，是北纬30°科幻电影创造营。
抵达创造营之前，我对于科幻电影的认识，和普通观众一样，停留在银幕之外。创造它们的人，属于一个遥远的世界：那里有宏大的想象，被电影之神召唤的天才，虹吸巨额投资的工业体系，呈现令人震撼的视觉奇观。
但真正走进这个创作现场，我发现，科幻电影远比想象复杂。
七月的象山，科幻、电影、AI、青年创作者，种种元素汇聚在这里，让我看见了银幕背后的另一个世界，那是国产科幻电影的“里世界”。
“如果不算《流浪地球》，过去十年，中国科幻电影还有哪些具有节点意义的作品？”这是我作为一个普通观众，向导演张小北抛出的第一个问题。
当然，没有人能绕开《流浪地球》谈国产科幻。这部2016年立项、2019年上映的作品，开启了中国科幻电影的元年，是国产科幻最具代表性的作品之一。但是，只有《流浪地球》，就够了吗？
今天，中国的科技产业，已经能够提出越来越多属于自己的命题，从人工智能，到深空探索，再到未来城市。中国独特的科技土壤，是不是可以孕育出先于时代的科学幻想？是不是只有扎根于本土的创作者，才能用中国人的视角与情感关系，去讲述属于中国人的未来？
如果答案是肯定的，那么，国产科幻电影的产出就是不足的。
《流浪地球》之外，过去几年真正推动国产科幻发展的作品，一个巴掌数的过来：《独行月球》，它的票房成功，意味着中国科幻电影进入了新的阶段；剧版《三体》，证明大众对于科幻叙事的接受程度在提升；《群星闪耀时》，进一步开始探索中国科幻自己的情感表达……除了这些，真正走进大众视野的作品，寥若晨星。
一位从业人员说，几年来，电影产业还没有完全把观众对于科幻的预期，与创作和生产能力对接起来。
造成这种局面的一大原因，是行业普遍觉得，只有大投资、大特效、大场面，才叫科幻。可是，这个逻辑早已被证伪。
科幻不是一个只能依靠巨额投资才能完成的类型，不一定非要出现外星人、宇宙飞船。如果没有几个亿，就不能做科幻电影，那这个类型就永远不能发展。
好的科幻，可以有不同尺度，但是，更多元的科幻电影作品，从哪里来呢？
2023年，中国影协成立科幻电影工作委员会，目的是挖掘更多青年创作者，推动科幻多元题材、各种规模的科幻项目落地，让科幻电影不只有《流浪地球》，也不只是“刘慈欣产业”。从2024年起，北纬30°科幻电影周及科幻电影创造营，落地象山。
今天的青年科幻创作者，都在关注什么？我们还能从科幻电影里看到什么？是我在创造营看见的第一道风景。
徐康硕的《广告贷》，关注技术对人的异化。他设定了这样一个未来世界：人们可以通过观看广告获得商品。想买一辆车，不需要支付现金，只需要观看足够长时间的广告。主人公的耳朵，被困在不断循环播放的广告声音里。
这个设定，与观众的体感并不遥远，我们已经生活在推荐算法和广告系统的世界里。如果未来技术完全占据我们的感官，会如何呢？这个对未来的想象，其实是在回答今天的问题。
杨力鉴和孙千惠创作的《爱情大考》则把问题指向了AI时代最复杂的问题：情感。它主要讲的是，在未来的机器人社会里，机器人必须学习爱情，通过爱情考试，否则就会被格式化。
机器人懂爱情吗？爱，是人类不可替代的情感吗？假如你也有一个智能体恋人，或者萌发过跟AI结婚的念头，或许这两位导演的思考与表达，会有所感触。
而龙也的《看着我》，则把视线放到了一个女性普遍存在的焦虑：被凝视。故事中的主人公进入一个空间，发现自己看到的世界和现实并不一致。这种被窥视、被监控的体验，最终指向了一种由技术制造的惩罚。
不难发现，这些作品有一个共同点：都源于创作者对于时代的观察，也都不是工业大片。
对此，制作导师张小北认为，找到并回应我们当下这个时代真正的焦虑，再用科幻的方式去处理，是未来中国科幻电影的突破口。
换个角度想，只要我们的社会还存在某些现象、某些情绪，需要被捕捉、被呈现，那科幻就依然拥有生命力。而无数个这样的作品涌现出来，科幻电影才能迎来一个成熟类型的繁荣。
究竟是什么，阻止了国产科幻作品的涌现？
创作。
很多人有一种误解，好像科幻电影诞生于某个天才导演脑中的灵光一现。事实上，从灵感到电影，中间隔着一整套复杂的创作过程。
以好莱坞为例，很多优秀的电影创作者，都经历过系统性的写作训练和长期的类型积累。导演诺兰在进入电影行业之前，也曾接受过文学和剧本创作训练，学习如何把一个想法转化为故事，把故事转化为视觉语言，再通过工业体系将它最终实现。
长期以来，中国的科幻创作者很难得到系统性的创作支持。
在科幻电影创造营的现场，我遇到了马贺亮。
他从2017年“惊奇映像节”开始，在国内最早发起科幻电影节展。这个过程中他发现，在科幻这个类型，国内行业或许过度强调好莱坞式工业体系，忽视了创作的重要性，而电影工业体系是需要创作驱动的。
只有当创作需求出现，工业体系、科学顾问、技术工具，才有发挥价值的空间。
2023年，马贺亮作为科幻电影工委会秘书长，负责北纬30°科幻电影周的整体策划与运营，便策划了科幻电影创造营，以“IP改编、AI共创”的模式，让学员在导师的指导下，把想象变成故事。
创作诞生之后，由创造营进行统一制片管理，再给予入围导演和AI超创以拍摄制作资源、资金、支持，最终做出5部实拍短片、4部AI短片。
尽管有诸多支持，创作的过程也并不十分顺利。
在创造营的几天里，迷惑与挣扎几乎弥漫在所有学员身上。
孙煜昊是一名大三学生，他对文本创作比较有信心，但对于工业制作流程，尤其是短片、长片后期制作的那些流程，几乎一无所知。他很害怕，怕真正上手做的时候不那么像回事，于是产生了一个想法：是不是可以完全用AI拍，来弥补自己工业经验的不足？
但导师给他的第一个建议，却是先实拍。
原因是，AI本质上也是对现实世界的模拟，一个导演如果没有真实世界的拍摄经验，就很难判断AI生成的东西到底对不对，真不真。对于年轻导演来说，得先知道怎么拍电影，然后才能用AI去做。
姜楠带来的项目，是一个原创的软科幻爱情故事。但她发现，爱情中两个人之间那种化学反应，甚至呼吸感、氛围，包括慢了半拍，一些小瑕疵，好像很难被AI做出来。
可是在创造营，很多学员都选择了AI，而不是实拍。“我这个作品到底该不该用AI去做”，她很纠结。
好在制作导师马上解决了她的这个困惑，认为完全没必要，甚至提出了反问：“如果要用AI做一个看起来非常像真人的表演，为什么不直接用演员来演？”
至少目前，AI对于人类表情和情绪的模仿还有不足，没有办法准确地还原一些微表情。要呈现出细腻的情感交流，真人表演依然是最有效的方法。
除了情感，年轻导演面对最多的问题，是奇观怎么实现。创造营中，不少学员选择了“天上海”这一IP。这个故事最大的视觉挑战是：海，如何出现在天空？
一个学员提出的解决方案是，先进行实拍，再利用AI改变环境，让观众感觉海漂浮在天空。但制作导师提出了一个现实问题：AI并不真的理解空间、光线这些物理规律。当导演要求AIGC的物体按照某种空间关系移动时，AI无法像传统视效一样精准实现。
不难发现，电影创作中，AI已经不可或缺，但技术也并非无所不能。
创造营之行，让我看到了AI与电影相结合的真实面貌。具体来说，现阶段的AI，主要在三个场景中发挥作用：
一是前期开发。AI帮助导演快速把脑海中的想象，变成视觉预演，提高创意落地的效率。
二是制作阶段。把AI作为一种视效工具，真人表演+AI辅助，是目前最可靠的方式。如果创作者坚持现在就要全部用AI做，面临的是砸钱也解决不了的技术难题。
三是团队沟通。比如帮团队整理剧本会的速记，分析素材，针对剧本提出修改意见、做头脑风暴等，这些工作，AI可以大量减少重复劳动。
总之，AI并没有让创作变得更简单，这是电影从业者与创作者的共识。如果一个故事，作者自己没有想清楚，那技术再先进也解决不了。
听了一大堆大家的交流之后，我的心里涌起一个困惑：
编导们知道大众在焦虑什么，关心大众在焦虑什么，也期待在作品中回应这种时代情绪。理论上讲，这是一个优秀作品的基础已经建立了。但为什么，最终端到电影市场，喂到观众嘴边的，好像总不是那么回事儿呢？
很显然，从一个好的想法，到一部被市场认可的电影，中间存在着巨大的鸿沟。这个鸿沟，就是一个成熟的电影工业体系。
科幻电影，是一个高度依赖工业的类型。相比于一个演员、一间房子就可以拍的剧情片，科幻电影仍然有比较高的门槛。
吴昱晓，是以“AI超创”的身份进入创造营的，作为一名AI创作者，他发现自己跟传统性的这些实际拍摄沟通上面有很多问题。他以为，是自己不了解电影。但导师告诉他，所有的创作者，都面临被工业流程困住的问题。
把成熟工业体系拆开来看，中国科幻电影目前至少存在几个短板：
第一，类型经验不足。
我们说好莱坞的工业体系成熟，并不是说每一部好莱坞电影都能成功，但是，经过几十年的不断试错，创作者能知道什么设定适合大荧幕，什么故事能够打动观众，做一部类型电影的成本上限和下限是什么。而中国科幻电影还没有形成足够厚的类型经验。
一位导演专业的学员说，导演可能是整个从业者里面实战经验最少的一个工种。灯光、摄像还能去其他的剧组打工，而导演的实践机会是很少的。所以他们需要的不只是技术指导，更需要行业前辈的经验，比如观众喜欢什么样的故事、如何避免商业风险等。
类型片的实战训练与经验积累，是中国科幻电影无法绕过去的。
第二，工业体系缺失。
国内现在做科幻一个很大的阻碍就是，当你开始做的时候，会发现很多基础设施和基本条件都没有，都要从零做起。很多年轻导演提出了一个想法，也知道自己要什么，但是不知道找谁能够把它实现。如果制作体量又比较大，在资金和资源有限的时候，那基本就不可能做成了。
设想一下，假如有一个成熟的科幻电影工业体系，对于一些常规问题，已经积累了成熟的领域经验，就可以低成本地解决这些导演的需求。
第三，与科学体系的连接不足。
科幻最重要的就是科学推理，这要求创作者具有科学通识，在某几个特定领域具有足够的科学素养，然后能够跟科学家交流，跟进某些领域最新的科技进展，再把这些科学认知，落实到故事和人物创作上。
为此，创造营加入了国内首个针对科幻类型的通识课，请来科幻电影、科幻文学、科学等领域的导师，进行科幻通识培训。一位导演系的学生，听完科学导师的课之后说，“感觉自己快要长脑子了”。这是她人生中第一次见到真正的科学家，让她的创作、世界观都有所颠覆。
在这样的背景下，象山的意义开始出现。
过去，中国很多影视基地都只是一个拍摄的场地。当象山影视城进行产业升级时，希望通过科幻推动电影创作更新，以及电影工业的升级。
于是，在原来的影视制作产业基础上，落地了北纬30°科幻电影周，进一步集聚了科幻类型资源。
加上当地对内容产业的资源支持，以及象山独特的山形地貌自然资源，就为中小成本科幻项目，提供了一种过去创作者很难获得的条件。
不过，进一步观察，会发现象山的科幻探索才刚开始。
一方面，象山影视城目前提供的科幻影视资源，有一定的方向性。现有的科幻影棚以场景和道具等资源以太空主题为主，更适合宇宙探索、灾难类型等大尺度科幻题材。
但这一次创造营中的很多年轻导演，故事未必需要巨大的太空场景，这也说明，中国科幻工业体系还有进一步丰富的空间，去支持更多元、不同类型的科幻故事诞生。
目前，象山影视城也正在规划更多适合中小成本的近未来科幻场景，并推动实拍+AI融合制片，以满足各类科幻电影的需求。
另一方面，象山正在探索的“科幻+文旅”方向，仍在等待一个真正具有生命力的IP作为支撑。
举个例子，《星球大战》成为迪士尼乐园的一部分，让观众沉浸式地进入电影世界，完成从观看到体验的转换，靠的是多年积累的世界观、角色和故事。
哪部作品能扛起象山科幻+文旅的大旗？是否有持续的内容生产能力和商业运营能力，还需要时间去给出答案。
电影拍出来了，然后呢？
《群星闪耀时》宣布撤档时，一位网友说道：中国科幻商业电影的工业体系，好像终于开始起步了。但遗憾的是，这个苗头出现的时候，恰恰也是越来越多人开始怀疑电影的时候。
电影的未来在哪里？是创造营现场，所有人都在关心的、无法逃避的问题。
“或许不是电影不行了，是电影院不行了。”本届创造营剧作导师杨治学如此说道。基于此，他建议青年导演们要坚持创作film，放下对Cinema的执念。
在大众眼里，二者都是电影，有区别吗？
最大的区别是，被看见的方式。
创作一部电影的视觉影像并不难，一个导演，一台摄影机甚至一部手机，就可以开始创作。大量的网络短片、独立影像，本质上都属于 Film 的逻辑。而Cinema强调的是集体观看体验，是无数观众坐在一起共同观看，需要电影院、发行、投资等复杂体系的参与运转。
今天，观众可以从移动终端上轻松地访问流媒体、短视频，电影不是唯一的娱乐，电影院也不再是唯一的观看入口，所以，Cinema这种媒介看起来已经式微了。
于是，所有年轻导演都面临一个共同的痛点，传统路径失效，那我怎么才能被看到？
有人对此悲观。
一位从业多年的导演说，挑战前所未有。今天的创作者面对的是看过无数好东西的观众，为什么要花两个小时看你的故事？这要求导演具备更强的视觉审美，更强的情感共鸣能力。随着门槛的提升，青年导演的机会也就越来越少了。
也有人感到乐观。一位女性青年导演提到，知道机会在减少，但依然喜欢创作。尤其是AI出现之后，原来做不了的一些本子，现在发现，也许可以做了。以前在剧组感到不适应，现在也不用强融了，可以像《后室》那样，自己先把作品做出来，在网络上吸引受众，有热度之后再进入电影院。
乐观也好，悲观也罢，大家相同的信念是，希望科幻电影继续前行。
于我而言，象山之行，像是进入了一个乌托邦，一座科幻电影的桃花源。
目之所见，是一群依然相信科幻电影、相信创作的人。但换个角度想，在行业下行期依然选择留下，选择来到训练营学习的，当然都是怀揣着创作能力和意愿的人。
但走出训练营呢？现实依然存在。
更多的青年导演该如何获得成长的机会？
AI能把一个优秀创意变成一部优质的商业类型片吗？
中国电影工业体系是否足以支撑更多的科幻想象？
以及，观众还愿意花一部电影的时间，走进电影院吗？
我没有答案。毕竟，这一次进入科幻电影的里世界，只是一次时间有限的穿越。
在更广阔的现实里，国产科幻电影人，还会往返于不同的世界。
他们穿越于银幕内外，调和着科学与幻想，往返于理想跟现实，最终在大众市场与自我表达之中，找到一个微妙的平衡，给出自己的答案。
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